Dapatkah animasi menggambarkan fantasi baru yang akan cukup untuk menulis ulang realitas di masa depan - ulasan film 'Mari kita letakkan bunga yang dijanjikan di pagi hari perpisahan'.

Tidak diragukan lagi, karya ini menandai sebuah titik balik.
Bagi Mari Okada, dan mungkin juga bagi sejarah animasi Jepang.

Okada telah berkarir selama 20 tahun sebagai penulis naskah animasi, dengan fokus pada berbagai karya orisinil dan proyek orisinil dari sutradara lain, tetapi ini adalah film pertamanya sebagai sutradara, setelah mendapat permintaan dari presiden P.A. WORKS Kenji Horikawa untuk "memberikan 100% Mari Okada ". Film ini dirilis pada tanggal 24 Februari dan diberi judul Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou (Di Pagi Hari Perpisahan, Mari Kita Pasang Bunga yang Dijanjikan).

Karena sifat genre animasi, yang merupakan produksi kelompok yang tidak dapat diselesaikan tanpa menggunakan gambar, sutradara yang mengawasi seluruh pekerjaan sebagian besar berasal dari bidang penyutradaraan melalui animator dan progresor produksi. Penulis naskah biasanya menyelesaikan peran mereka dengan memberikan panduan untuk memotong papan cerita, dan jarang terlibat dalam proses produksi setelahnya.

Akibatnya, hanya ada sedikit kesempatan untuk melihat sekilas seluruh proses produksi di studio atau untuk merasakan secara langsung pekerjaan staf di lokasi, dan kasus penulis naskah yang berkembang menjadi sutradara sangat jarang terjadi.

Di tengah tren industri seperti itu, Mari Okada telah membedakan dirinya dengan tidak ragu-ragu menangani drama karakter yang tidak sesuai dengan kesenangan tradisional animasi, seperti penggambaran emosional karakter yang menggabungkan kejelasan kesadaran diri remaja dan seluk-beluk hubungan manusia yang kompleks yang tidak selalu langsung. Mari Okada, seorang penulis skenario.

Namanya menjadi terkenal karena munculnya karya-karya yang kemudian dikenal sebagai 'air-kei' atau 'nichijo kei', seperti The Melancholy of Haruhi Suzumiya (2006) dan Lucky Star (2007), keduanya diproduksi oleh Kyoto Animation. Dalam karya-karya ini, seni latar belakangnya dibuat sesuai dengan pencarian lokasi lanskap kontemporer Jepang yang nyata, dan drama komunikasi bishojo (gadis-gadis cantik) dua dimensi dikembangkan di atas lapisan-lapisan ini, yang menyebabkan ledakan konsumsi yang mirip dengan 'ziarah ke tempat-tempat suci' di mana para penggemar mengidealkan dan mensimulasikan realitas tiga dimensi.

Sebagai perpanjangan dari tren ini, P.A.WORKS, sebuah studio yang berbasis di Prefektur Toyama, memilih Okada untuk pertama kalinya untuk menulis cerita orisinil untuk versi anime True Tears (2008), yang berlatar belakang prefektur yang sama. Dengan kata lain, di tengah tren menuju tingkat kecanggihan yang belum pernah terjadi sebelumnya dalam teknik menggambar dan drama yang "memalsukan realitas" dari pertengahan hingga akhir tahun 2000-an, penulis seperti Okada, yang "membubuhkan bumbu realitas ke dalam fiksi", juga telah diterima oleh para pemirsa sebagai berbagai macam anime kontemporer yang membanjiri saluran larut malam. Inilah alasan mengapa Okada Mari diterima oleh pemirsa sebagai anime kontemporer larut malam yang beragam.

Arti 'anime' bagi Mari Okada: 'Anohana' dan 'Kokosake' sebagai fantasi novel pribadi

Tren dalam karya Okada ini, dipadukan dengan kariernya sebagai penulis skenario dengan latar belakang V-Cinema, sering memancing pertanyaan dan kritik dari penggemar anime tradisional, seperti "Apakah harus anime?" dan "Jika ini adalah melodrama grafis, buatlah dalam bentuk live action.

Namun demikian, dalam konteks realitas subjektif yang dialaminya, hal ini merupakan fantasi yang paling indah yang bisa ditawarkan oleh anime.

Ketenaran Mari Okada dengan cepat terangkat oleh serial TV 'Ano Hana no Namae o Bokutachi wa Mada Shiranai' (Kami Masih Belum Tahu Nama Bunga Itu), yang ia kerjakan sejak tahap perencanaan bersama dengan teman seusianya, Tatsuyuki Nagai dan Masaga Tanaka. (A-1 Pictures, 2011) dan produksi teater 'Kokoro ga shoukutta itagatteiru da' (2015). Kedua karya yang berlatar belakang Kota Chichibu, Prefektur Saitama, kampung halaman Okada, yang sudah lama dirahasiakannya, sebenarnya merupakan novel pribadi yang lahir dari konfrontasi Okada dengan kepedihan masa lalunya, seperti yang terungkap dalam otobiografi Okada, Gakko e ukatta basho me ga 'anohana' 'kokosasake' wo motomete ni motomeru (Till I Write 'Anohana' and 'Kokosake') (Bungeishunju, 2017) dan karya-karya lainnya. Hal ini telah diklarifikasi.

Dengan kata lain, pengalaman Okada yang menolak untuk pergi ke sekolah selama lima setengah tahun karena tidak tahan dengan hubungan yang tertutup di ruang kelas setempat menjadi dasar penggambaran Ninta Shukumi (Jintan) dalam Anohana, sementara keadaan perceraian ayahnya yang salah di masa kecil dan rumah tangga ibu dan anak perempuannya menjadi dasar bagi Jun Naruse dalam Kokosake.

Di sisi lain, motif fantastis yang menjadi kunci dari setiap karya, seperti hantu Menma di Anohana dan telur pencuri suara di Kokosake, merupakan simbol yang terlalu lugas dari rasa bersalah yang tidak dapat diperbaiki yang dirasakan Okada sendiri sejak masa kecilnya karena masalah komunikasi. Dalam lanskap Chichibu, yang pada dasarnya digambarkan dengan realisme naturalistik, perangkat imajiner ini, yang hanya satu dari sekian banyak perangkat imajiner, bekerja berdasarkan konflik para karakter utama, yang masing-masing memiliki perasaan yang kompleks, dan mendorong kisah coming-of-age yang menyegarkan.

Struktur dari kedua film ini adalah sang protagonis tumbuh dan mengatasi traumanya dalam bentuk hujan yang turun dan tanah yang mengeras, dan bergerak menuju rekonsiliasi dan penebusan dengan teman-temannya di kampung halamannya, dan rekonsiliasi dengan ibunya.

Dengan kata lain, fantasi kontrafaktual yang tidak dapat dipenuhi oleh Mari Okada dalam kehidupan nyata diberikan kekuatan persuasif dan katarsis untuk menulis ulang lanskap realitas melalui karakterisasi tingkat realitas yang indah oleh Masaga Tanaka dan tusukan-tusukan yang halus namun terkadang tak terduga dari sutradara Tatsuyuki Nagai dan timnya. Sentilan sutradara dan timnya yang halus namun terkadang tak terduga, menusuk hati pemirsa.

Ini adalah esensi dari karya-karya Anohana dan Kokosake, yang hanya bisa diwujudkan dalam anime.

Kemampuan kerja kedua karya ini jelas ditunjukkan dalam fakta bahwa Chichibu, latar belakang kedua karya tersebut, telah mengaktifkan gerakan ziarah tempat suci yang melibatkan komunitas dan administrasi lokal yang nyata, dan dalam hal ini mirip dengan contoh Kuil Washinomiya di Lucky Star dan Kota Oarai di Girls und Panzer (Actus 2012-13).

Namun demikian, fakta bahwa titik awalnya adalah rasa depresi yang kuat terhadap daerah setempat oleh penulis Mari Okada merupakan perbedaan utama dari kasus-kasus daerah lain, yang akan ditemukan dari sudut pandang yang lebih datar. Imajinasi yang awalnya merupakan sentimen sastra yang sangat modern, diubah oleh kekuatan anime untuk menggerakkan banyak penggemar dan (jika kita dapat mempercayainya) akhirnya mengubah pandangan Okada sendiri tentang Chichibu dan ibunya, menyebabkan umpan balik yang melampaui kebenaran atau kebohongan.

Dengan kata lain, karya-karya Okada tidak hanya menyublimkan diri mereka sendiri pada tingkat sastra modern, tetapi juga mengubah sifat realitas, dengan mewujudkan 'fantasi' maksimumnya sendiri melalui karya-karyanya, dan ini adalah kesaksian akan kekuatan sirkuit 'realitas yang diperluas' yang telah dicapai oleh animasi Jepang pada tahun 2010-an. Contoh terbaru dari hal ini adalah karya Okada Mari.

Dari fantasi pribadi hingga fantasi universal - dari motif 'pemisahan waktu'.

Dengan demikian, setelah mengungkap setidaknya sebagian dari akar dan kehidupan batinnya, kemana Mari Okada berpaling pada kekuatan animasi ketika diminta untuk memberikan "100%" sebagai seorang sutradara?

Jawaban yang diberikan oleh karya terbarunya, Sayo Asa, adalah fantasi lebih lanjut dari dunia karyanya.

Bagi Okada, yang menolak untuk pergi ke sekolah bertepatan dengan periode booming NES dan Super NES, dan yang menghabiskan sebagian besar waktunya di rumah bersama ibunya membaca dan bermain video game, fantasi yang menggambarkan 'di tempat lain selain di sini', seperti film animasi untuk anak-anak yang ditayangkan di pusat-pusat komunitas (mungkin Toei atau Ghibli) dan RPG yang ia tekuni siang dan malam, adalah yang paling penting. Fantasi yang menggambarkan 'di tempat lain' terukir dalam pengalaman asli Okada sebagai subjek animasi yang paling mirip anime.

Maka, tidak mengherankan jika Okada, setelah selesai dengan tugas menangani subjek yang berkaitan erat dengan ukurannya sendiri, sekarang beralih ke penciptaan 'dunia' itu sendiri untuk menghadapi subjek yang baru.

Namun demikian, serial TV Nagi no Asukara (P.A. WORKS 2013-14), yang disutradarai oleh Toshiya Shinohara, yang juga berperan sebagai asisten sutradara, merupakan langkah penting ke arah ini. Hal ini karena, meskipun drama karakternya berpusat pada kelompok cinta remaja seukuran manusia yang dikenal oleh Okada, film ini mencoba mengembangkan tema yang ditopang oleh pandangan dunia yang lebih bernuansa fantasi tentang interaksi dan konflik antara orang-orang di dunia darat, yang berada di lokasi di kota pelabuhan Jepang modern, dan orang-orang di dunia laut, yang berada di dasar laut.

Di sini, Okada menggunakan cinta tragis antara spesies yang berbeda, seperti dalam The Little Mermaid, sebagai legenda mitos dari dunia karyanya, dan juga menggunakan insiden di tengah-tengah seri di mana karakter orang-orang laut, termasuk protagonis Hikaru Sakijima, dipaksa hibernasi oleh kekuatan di luar pengetahuan manusia dan terpisah dari teman-teman mereka di darat selama lima tahun sebagai alat untuk menekankan kesedihan hubungan romantis mereka. Hal ini digunakan sebagai alat untuk menekankan kesedihan hubungan romantis.

Penggambaran tentang tidak dapat hidup dalam waktu yang sama dengan orang lain, tidak lebih dari sekadar perpanjangan pengalaman pribadi Okada yang tersisih dari arus waktu di sekelilingnya, yang terus ia rasakan selama lima setengah tahun, ketika ia menolak untuk bersekolah. Persepsi tentang waktu ini, yang juga mendasari keberadaan tokoh utama Menma dalam Anohana, merupakan sumber motif paling mendasar dalam konsepsi Okada tentang fantasi anime-nya sendiri.

Oleh karena itu, "Sayo Asa", yang berbelok dari fantasi gaya novel pribadi yang menunjukkan fiksi dalam dunia yang realistis ke penciptaan seluruh panggung, disusun sebagai fantasi dunia lain dengan motif "pemisahan waktu" Okada sebagai dasar pandangan dunia itu sendiri.

Tokoh utama, Makia, adalah anggota bangsa Iorph, sebuah bangsa keabadian yang berhenti menua di usia remaja. Bersama dengan spesies naga raksasa Renato, mereka ditakuti sebagai misteri dunia kuno, dan juga dikenal sebagai "Klan Perpisahan" karena nasib mereka yang harus terus menjaga kematian orang lain. Latar cerita.

Dalam konteks fantasi tinggi yang otentik, latar ini mengikuti garis keturunan spesies Twilight yang berumur panjang, seperti para elf dalam novel Lord of the Rings karya Tolkien dan buku-buku lainnya.

Namun, lebih dari itu, gaya hidup awal Makia, yang hidup dalam persembunyian di tanah yang terputus dari dunia luar dan yang menenun peristiwa kehidupan sehari-hari ke dalam jalinan khusus hibioru, justru merupakan citra diri Mari Okada, yang biasa menulis buku harian selama menjadi pertapa di Chichibu.

Dengan latar belakang dunia yang merupakan kristalisasi karya Okada terdahulu sebagai titik tolak, tema apa yang dibahas?

Langkah pertama adalah kepergian paksa ke 'dunia luar' yang penuh dengan kekerasan dan harapan.

Kekerasan di 'dunia luar' membawa keindahan.

Film ini dibuka dengan kisah cinta segitiga yang pahit antara Makia, seorang gadis pemalu dan pasif yang tidak memiliki keluarga dekat, dan rekannya Leylia, seorang gadis cantik dengan kepribadian yang aktif, dan Krim, seorang anak laki-laki yang jatuh cinta pada Leylia namun diam-diam ditaksir oleh Makia.

Urutan fantastis di mana air mata besar jatuh dari mata Makia, yang menyaksikan pertemuan antara keduanya, dan bunga-bunga cahaya muncul di senja hari, adalah awal dari kisah yang menusuk hati dan kisah coming-of-age yang halus. Film ini mengantisipasi "bagian Marie yang biasa".

Namun, adegan berubah segera setelah itu ketika Renato, seekor pterosaurus yang ganas, terbang dari langit di atas Makia dan teman-temannya, dan adegan tersebut berubah menjadi penyerangan oleh pasukan Mesate, sebuah kekuatan besar, dengan Renato di belakangnya. Adegan kemudian berubah menjadi serangan oleh pasukan Mezate, kekuatan besar, yang mengikuti Renato, yang menghadapi kepunahan karena penyakit aneh, dan datang untuk mencuri seorang wanita Iorph untuk menghamili seorang pangeran, untuk mendapatkan pembuluh darah keabadian sebagai sumber kekuatan baru.

Kekerasan yang tiba-tiba dan bernuansa seksual ini mungkin berasal dari pengalaman asli Mari Okada, yang, sebagai seorang pertapa, menjadi sangat sadar akan 'dunia luar' ketika dia menyinggung seorang pria pelaku kekerasan dalam rumah tangga, kekasih ibunya pada saat itu, dan digerebek di rumahnya dengan ancaman akan dibunuh.

Penonton yang telah dituntun untuk mempercayai visual kunci pastel dan klaim 'epik yang mengharukan mengikuti jejak Anohana dan Kokosake' akan diingatkan di sini bahwa peringkat 'fantasi' bersih dari film ini lebih mirip dengan Game of Thrones.

Atau, jika Anda adalah penggemar berat video game dari generasi yang sama dengan Okada, Anda juga akan menyadari pentingnya memilih Akihiko Yoshida, yang baru pertama kali terjun ke dunia animasi, sebagai perancang karakter untuk film ini. Terlepas dari gambarnya yang mengalir dan anggun, Yoshida adalah seorang seniman yang dikenal dengan karyanya bersama Yasumi Matsuno dalam seri Ogre Battle dan fantasi berat dan berdarah lainnya.

Oleh karena itu, layar Sayo Asa dipenuhi dengan suasana yang menunjukkan bahwa banyak kejadian mengerikan yang pasti terjadi secara tersirat dalam adegan-adegan yang tidak digambarkan secara langsung dalam film.

Di tengah kekacauan tersebut, Makia secara tidak sengaja terjebak dalam pelarian Renato, yang sekarat karena penyakit aneh, dan mendarat darurat di sebuah hutan yang jauh di bawah malam yang diterangi cahaya bulan. Dia mendengar tangisan seorang bayi di tebing dalam keputusasaan dan menemukan kamp, yang juga telah dimusnahkan oleh serangan bandit. Anak itu, satu-satunya yang selamat, diselamatkan dari tangan ibu kandungnya yang terbunuh.

Di sana, malam tiba dan judul film kembali diputar, mengumumkan bahwa subjek film yang sebenarnya akhirnya telah dimulai.

Ya, subjek tentang 'keibuan' diri sendiri sambil mengekspos diri sendiri ke dunia luar yang sangat indah.

'Menjadi ibu' sambil menahan waktu sang gadis.

Dengan demikian, cerita ini berpusat pada perjuangan Makia untuk melindungi dan mengasuh anak laki-laki yang ia beri nama Eyal.

Tentu saja, tidak mungkin seorang gadis berusia 15 tahun tiba-tiba bisa membesarkan seorang anak sendirian, jadi pengasuhan Makia dimulai ketika dia belajar bagaimana mencari nafkah dan bagaimana menjadi seorang ibu dengan tinggal bersama induk semangnya, Mid, yang mengelola sebuah peternakan dan membesarkan dua orang anak pada awalnya.

Produksi ini menekankan pada akumulasi teatrikalitas sentuhan, dimulai dengan reaksi pada pertemuan pertama saat Eyal meraih jari Macia dengan telapak tangan bayinya yang mungil, dan kemudian saat pertama kali Macia berjalan dengan bantuan anak-anak Mido, dan cara unik untuk menenangkannya saat ia mengamuk dengan menggeliat-geliatkan 'cacing yang menggeliat' di perutnya. Siapa pun yang pernah mengalami membesarkan anak di rumah mereka sendiri, pasti akan bersimpati.

Karakteristik lain dari arahan film ini adalah cara pengarahannya yang menghubungkan sekuens-sekuens pengasuhan Elial dengan lancar, melompati tahun-tahun tanpa menggunakan kata-kata untuk menjelaskannya. Dengan cara ini, skala film ini memungkinkan untuk menyampaikan kesan nyata tentang bagaimana Makia hidup setiap hari dengan rasa waktu yang berbeda dari manusia.

Sebuah film animasi yang langsung muncul di benak saya sebagai film yang menggambarkan kesulitan seorang ibu yang membesarkan seorang anak yang merupakan spesies yang berbeda dan karena itu tumbuh dengan cepat adalah Wolf Children (Studio Map, 2012) karya Mamoru Hosoda. Sayo Asa juga serupa dalam hal menggambarkan seorang protagonis wanita yang dipaksa untuk membesarkan seorang anak sebagai operasi satu orang tanpa figur seorang ayah, sementara juga memelihara kualitas keibuannya.

Namun, berbeda dengan "Wolf Children", yang tidak dapat menghindari kritik karena "sutradara pria yang memaksakan cita-citanya tanpa menyadarinya" melalui karakterisasi tokoh utama wanita, Hana, dan pengarahan berbagai bagian film, film ini didasarkan pada realitas hubungan ibu dan anak yang dibesarkan oleh Mari Okada. Sebaliknya, film ini mengambil pendekatan yang berlawanan karena didasarkan pada realitas hubungan ibu dan anak yang dibesarkan oleh Mari Okada.

Hanya sedikit seniman yang menyadari betapa tidak sempurnanya menjadi seorang ibu seperti yang dialami Okada. Oleh karena itu, sebagai tantangan setelah menempatkan subjek sebagai 'anak' dalam karya-karyanya hingga Kokosake, ia sekarang mencoba untuk berdiri di posisi 'ibu', yang dengannya ia memiliki banyak konflik. Jika kita membaca film ini dari sudut pandang seorang auteur, kita tidak bisa tidak melihat bahwa pilihan Makia untuk berperan sebagai ibu Eyal sebagai seorang gadis muda, merupakan simulasi dari karakter Okada sendiri.

Mungkin sama halnya dengan Mamoru Hosoda yang mempercayakan peran ibu pada karakter Hana yang inklusif dalam Wolf Children, keadaan yang tidak disengaja dimana Makia dalam film ini mendapatkan dukungan yang tepat adalah realitas bergambar yang nyaman yang hanya dapat digambarkan karena narasi animasi.

Namun, sorotan dari fantasi yang bekerja di Sayo Asa dapat dilihat dari cara film ini menyoroti proses pembentukan keibuan sebagai persona posteriori yang bergantung pada posisi dan lingkungan seseorang, daripada dikaitkan sebagai kualitas intrinsik individu.

Akhir dari "eksperimen kontras" tentang keibuan dan kebapakan

Karakterisasi ini lebih jauh disorot oleh kontras dengan penjelajah ibu lainnya. Ini adalah hubungan dengan Leilia, yang ditangkap oleh Mesate dan dipaksa menjadi ratu pangeran.

Sebagai bayang-bayang Machia, yang dipaksa untuk mengawasi pengasuhan anak laki-lakinya yang tidak berdarah, Elial, Leylia menerima pilihan untuk melahirkan putrinya sendiri, Medmer, namun ia dirampas dan dipaksa untuk hidup dalam pengasingan.

Komposisi film ini merupakan eksperimen yang kontras antara seorang ibu semu yang berusaha memenuhi realisasi dirinya dengan 'bermain sebagai ibu' dan seorang ibu sejati yang kehilangan identitas 'keibuannya'.

Kisah fantasi epik ini terungkap saat nasib kedua orang ini dipertemukan di setiap titik oleh Krim, seorang penyintas Iorph yang bergabung dengan perlawanan terhadap Mesarte dalam upaya mereka untuk merebut kembali Leilia.

Upaya Krim untuk menggulingkan kekuasaan untuk menolak perubahan merupakan perwujudan dari keadaan 'menjadi ayah yang menjadi nol'.

Kontras antara cara hidupnya dan cara hidup Eyal, yang dengan cepat tumbuh menjadi seorang pemuda melalui masa remaja, termotivasi oleh keinginan untuk melindungi ibunya, juga dapat dibaca sebagai eksperimen yang kontras di sisi laki-laki, mirip dengan kontras antara Makia dan Leylia.

Seperti yang dianalisis dalam kritik seperti Maternal Dystopia karya Uno Tsunehiro, banyak film animasi Jepang, hingga saat ini, mengekspos masalah ketidakmungkinan pendewasaan yang telah dibebani oleh sejarah pasca perang Jepang dengan berbagai cara dengan cara memperbesar motif seksual yang tidak wajar melalui kekuatan gambar yang tidak terkendali.

Dibandingkan dengan fantasi yang digerakkan oleh citra konvensional semacam itu, fantasi simulasi situasi dalam karya ini mungkin tampak agak polos dan hambar dalam hal kenikmatan visual.

Namun, ketika tugas animasi adalah merekonstruksi citra baru yang menerobos lingkaran keibuan dan kebapakan yang terpelintir, maka upaya Mari Okada, dengan menggunakan kehidupannya sendiri sebagai referensi, untuk mencari bentuk keibuan dan kebapakan yang memuaskan dari awal, menjadi sangat penting.

Hal ini juga setara dengan penggambaran lanskap di luar 'In This Corner of the World' (MAPPA 2016), yang juga menggunakan teknik augmented reality untuk menangkap kembali titik awal Jepang pascaperang sebagai sebuah dunia yang terhubung dengan masa kini. Dengan kata lain, Makia dari Sayo Asa hidup di dunia setelah tokoh utama Suzu Hojo menjadi 'ibu' bagi anak-anak yatim piatu korban bom atom yang kehilangan sanak saudara mereka di Hiroshima pada akhir Dunia Ini.

Pada tahun terakhir era Heisei, dapatkah anime menggambarkan fantasi baru yang cukup untuk menulis ulang realitas masa depan?

Langkah pertama menuju pertanyaan semacam itu telah dimulai di sini.

(Teks oleh Daichi Nakagawa)

＜ Profil Daichi Nakagawa.

Editor dan kritikus.